牛俊強於2009個展《當我和你老去》，以擬仿新聞畫面之錄像作品為主軸展開對話的可能性，整體作品的調性仍維持其一貫的牛式風格，在每個小細節處可瞧見他十分細膩又感性詩意的處理手法，不似交響曲在當下就能擭住所有焦點，倒像極了一曲輕輕淡淡的抒情小調涓涓地滑過你我的心田，第一眼的印象或許不強烈顯眼，卻總常在某個偶然寧靜的片刻又想起它，以陳綺貞的抒情曲風來比擬或許就能很貼近牛式語彙的風格。 

這次個展作品共分成三個系列，攝錄畫面主角皆以採訪女記者為主；系列一中共有五件不同場景的錄像，五位女記者拿著麥克風分別站在不同場景前，對著鏡頭微笑不發一語；畫面中亦安插跑馬燈及相關動態圖示使其成為再熟悉不過的台灣新聞播報畫面，而每件錄像作品中流動的文字也刻意挑選且歸類彼此互有關連的新聞訊息，例如關於女記者的新聞、夏日休閒活動、假期塞車...等。系列二則為平面攝影，鏡頭拉高拉遠成為一全知者的角度，所攝影的場景則是一個沒有任何資訊，沒有可供採訪播報的背景空白狀態，女記者的姿態與新聞攝影機的互動也呈現斷裂的態勢。系列三則是挑選裝置有液晶電視銀幕的無人場景拍攝，將系列一拍攝的新聞畫面擺置在某個生活化的場景裡播放，如會議室、居家客廳、車內LCD播放器...等，場景中的螢幕皆呈開啟播放的狀態，彷彿有人恰好有事剛剛離開或離開一陣子。在拋錨車裡的屏幕中放映的新聞報導事件正是剛剛發生並消逝的汽車拋錨事件，它”即時”地被傳導到新聞螢屏上播報，這種現場無止盡的返覆映照出我們對即時的需索以及一種戲劇性的荒謬感；在這一系列的作品裡，作品場景和即時新聞畫面的時間總是存在著落差，或者說生活的現場往往和新聞的現場是脫離且無關的狀態。 

《當我和你老去》以相當詩意又感性的命題展出最新的錄像系列作品，請來演員喬扮女記者手持麥克風在鏡頭前靜默做採訪樣，影像更擬仿新聞台畫面設計風格，從上下左右竄跑的文字跑馬燈至新聞台動態Logo，無一不標識著作品欲論涉媒體性議題的姿態；系列作品便以此錄像作品為主軸展開作者對媒體性之觀察與觀點，「觀看」則是作者試圖拋出的最大提問，對於日常的媒體與事件，鏡頭是否有主觀觀點？如是，這又是誰的觀點？鏡頭的對向與事件的製造關係為何？而究竟是誰在觀看？媒體與觀看的有效性關連又何在？或許可用簡單的幾句話簡敘述這三個系列的作品，系列一：Something happened，系列二：But it seems a small thing or maybe nothing，系列三：And who (wants) watches it? 大體來說，三個系列作品中的攝錄角度之間更存在著鏡頭與觀看對照辯證的關係性，系列二的全知者式的俯角鏡頭凝視著系列一的對焦事件鏡頭的狹隘視鏡，系列三則轉到了觀看者的位置觀望著系列一的新聞播報事件，尤顯突兀之處的是空無一人的場景，以觀看角度觀察到的卻是無人觀看，一切式那麼地空寂靜默，但再轉回到展場中擺放系列一作品的位置，五則新聞視窗卻仍兀自喧囂地話語著，可以說作者試圖以攝錄鏡頭的位置轉向凸顯媒體角度的單一與窄隘，並再依此重新證視自我的觀看視野。總的來說，新聞、媒體、事件只是作品的表象議題，作者隱藏在最深層的意識則是對於「觀看」的自我提問，看什麼？怎麼看？從哪裡看？又是誰在看？ 

何以說這是作者的自我提問，去年和牛俊強合作，討論其《邊境》作品之時，得知他患了某種特殊眼疾，這問題不但在日常生活困擾著他，他也將這層憂慮雜揉進創作裡，他開始就著自身”看”的問題做更深一步的思考，從《十分鐘》、《栩栩》的雜訊觀看影像到《邊境》時的淡出失焦視感之後，《當我和你老去》回返本身之中對觀看做意識型的思辯。獨立藝評者鄭文綺在【素顏專訪系列：牛俊強】中，曾與作者討論到眼疾對其創作產生的影響： 

鄭：要不要來談談你的眼疾對創作的影響？

牛：眼睛最早出現問題，是在2007年十月多的時候。一開始是滿驚訝的，驚訝完了就很害怕。那時候恰好是《十分鐘》系列要結束的時候，接下來就開始思考新作品。其實那陣子也不知道要做怎樣的東西，對視覺追求的路線開始有些厭煩，加上那陣子藝術圈都在談《頓挫藝術》，（我覺得）好像出現很多colorful、比較有趣或視覺感染性較強的作品。我那時候會對感染力、張力很強的作品有點厭倦，加上我的眼睛有些症狀，在黑暗看東西會更不清楚。它是沒有那麼誇張啦，但你會意識到跟以前不太一樣－－起初只是奇怪看東西會有點模糊，那種模糊不是正常的模糊，而是有個區塊特別不清楚；然後眼睛也很容易痠，飛蚊症也變得比較多。

鄭：  但你不是說不嚴重嗎？

牛： 當然它可能沒那麼嚴重，不是單一表象的病症，我的症狀是視網膜開始變薄，出現幾個破洞。破了洞就要打雷射修復，但打雷射以後網膜就會變得更薄。我本身滿容易緊張的，有人說我有慮病症，就是一直覺得自己有病的那種病，於是就去眼科檢查，結果真的破了三個洞，一隻眼睛破三個、另一隻眼睛破兩個。現在網膜變得很薄，每個月都還要回醫院複檢，但是那次發作之後就沒有甚麼問題。因為視網膜是在視神經上，剝離就是網膜有點翹起來，脫離它後面的視神經，但我現在是有點翹又不太翹。現在的症狀是很容易看到白色的光點，只要一回頭或轉頭就會閃一下。醫生說，現在就是處在一種還不到那麼壞、也不是那麼好的狀況，因為它還沒有真正剝離，也沒有破洞，所以也沒有辦法進行治療。但是比一般狀況糟。

比較多的壓力是來自心理緊張，到現在還是這樣，你會覺得它到下一秒鐘就會像關燈一樣不見了。我那時候想，如果我快瞎了就會停止視覺上的創作，我還是會希望保有最後僅存看的權利。如果說真的沒辦法再坐在電腦前面，我就不會再做那樣的事情了－－我當然會繼續創作，我可能會去學一些不需要那麼依賴視力的東西，例如我可能會去學烹飪，我是很認真的這樣想。因為我覺得我也嘗試做過聽覺或行為的創作，但自己覺有點吃力。我已經很倚賴電腦來處理我的所有生產，我能夠生產的東西都是經由視覺，經由電腦去跑出來的。

如將焦點拉拔至此範疇做進一步討論，  這次個展展出的新作跟《邊境》有所不同的地方是作者從眼疾引發的特殊的、個人式的視覺感受變異拉高到探討一個大的觀看經驗， 並試圖在這個較大的關照命題下反照出自己的位置與視野。或者也可說，《邊境》裡的觀看者無從凝視且失去座標，是消極的，但這次的作品卻積極地佈設出明顯的觀看位置，這裡有個作者在視覺操作上的轉變，經由上一件作品對視覺的消極態度後的積極反轉。  
 

2. 

然而對我來說，最饒富興味的並不是作者擲出的媒體觀看大議題，反倒是一個純然詩性的展名引起我相當的好奇：《當我和你老去》，此命名與作品議題呈現有著詭妙的脫節關係，在具社會議題式的作品表現與理性詮釋的創作自述之上偷渡了一則極為個人情感抒發式的展名，詭異之處的不是展名與作品內容的脫鉤，相關例子比比皆是，而是我在此現象感受到了作者本身掙扎於的學術理式訓練與個人情感發抒相互矛盾的情結。現今的學院教育訓練之中常存有一種急切感，相當焦迫地培訓學院菁英成為能關注社會公眾事物的「公共知識分子」（Public Intellectuals），因此希冀個人創作能逐步擺脫個人情感呢喃、發洩式的語言而著眼關懷公眾事物，但不難發現的是多數學院創作試圖轉向了社會性議題，卻仍顯得渙散無力與茫然無措，作品表達語意的無效性直截反射出的是創作者本身的一種無力感，面對外部素材掌握能力的慌然，及其與內部自我創作欲望之間的拉扯矛盾，這些掙扎常常地就撕裂、模糊了對議題的關照而變得瑣碎不已。 

南方朔於羅素．雅柯比(Russell Jacoby) 《最後的知識分子》中文版一書的序言中概要的敘述雅柯比對二戰後知識分子沒落的觀察：「.....知識分子們在進入校園後，服膺新的遊戲規則， 只會關心一些瑣碎的小問題，對公眾議題已缺乏觀照及掌握的能力，這叫做「引人注意的瑣碎」（conspicuous triviality），它的意思就是很瑣碎、很花俏但卻很無意義。當代雖然有些知識分子喜歡在口頭上進行「反叛」與「顛覆」，但因為都是侷限在瑣碎的事務 上，因而這種「反叛」與「顛覆」遂只是剩下矯揉做作的外表。」「當代知識分子用多元、歧義這種說法來合理化她們自己的沒有方向感,也故意用連文法都不通的文句來妝扮自己的花俏瑣碎。」如由此重新審視現下的學院藝術養成與生態，我們意圖的造反是否真能引起顛覆，或實情就如雅柯比所言的不過是一場花俏瑣碎？再者，我們是否有勇氣承認面對為了所謂的學術檯面，不少人曾掙扎地編寫或者啃讀著不是中文語法的中文文句，此些文字生硬的程度通常不輸法國棍子麵包，若試問這些那些可曾真撼動某些社會現實或者在某些位置是否杵下些基礎，我們可以得到哪些確切的答案呢？！ 

那是不是以上所言乃是筆者藉此反譏諷此創作者及作品，或者批判學院主導的整體藝術生態氛境嘛？不！如果將此論點一徑指向攻擊批評之意圖，那麼不但無能積累對話平台的厚度，亦無法釐清我們嚷嚷了幾年的藝術問題，為數不少仍就處在困境的狀態中。這狀態我總認為問題不因對著外部追究，它應是源自我們的內部，在我們希冀作品能有所議題性卻變得越來越繁碎，期望文字具有學術價值卻越來越難咀嚼理解，越努力反讓飛翔的姿勢變得詭異。我所接觸認識的學院藝術家，每個都相當認真努力，盡力的背後往往藏著焦慮不安，這股焦躁是什麼？又從何而來？【素顏專訪系列：牛俊強】中訪談者也與作者提及這話題： 

鄭：  到目前為止，你好像都沒有處理很大的主題.....

牛： 你說的大是指規模、或處理的議題？大的作品應該需要一點時間吧。 

鄭：  我的意思是有些藝術家對較大題材有興趣，而你似乎比較注重細微的議題；也許跟你的性格、你所關注的主題，或者你和作品主角的關係，都可以看到這種細微。

牛： 應該是說當我在思考一個作品時，我都會先想到一個畫面，那個畫面都是我平常在觀察人在某個狀態下的細微處－－可能是一個很短暫的顫動，或者一個他脫離那個狀態的時刻－－在日常生活中的某個非常態時刻，我對這個部分很著迷。撇開《明信片》系列不談，在之前的作品的確都是如此，你可能要等久一點才能看到它真正要表達的東西。因為我覺得很直接的，視覺性很強、或有立即感染性的東西，我就是不知道要怎麼做才對。  

鄭：你覺得自己要很努力才能得到自己要的東西嗎？

牛：我覺得這跟個性有關吧。就是我比較喜歡躲在旁邊看著別人，我比較不希望被看見，又或者我希望我被看     見的方式是，不要被直接看到的。所以我想要（爭取）什麼東西的時候，我常常會覺得我必須要盡全力，要不然我就不要做了。也許不至於每件事，但它會變成我在做事情的時候一種強迫性，像是一種最終的精神指標。有時候明知那個東西是達不到的，但是（你）還是要做到那個目標。那個實現的過程並不是一件很舒服的事情，或者是它已經超過你可以掌握的範圍。

但如果你要達到有些手段的話，你可能就要放掉自己某些東西......這可能就會.....讓自己變成一種委曲求全的狀況。 

我想這糾結掙扎的狀況一定不只發生在牛俊強身上，而如真像牛俊強表達的放掉某些東西變成委曲求全的狀態，那不禁試想通常被學院創作者放掉的是什麼以求取什麼？！或許這是一種較為消極且單維的思考角度；如果換個面向觀察，當外部集體的焦慮與源自個人內部的情感衝動欲望正面碰撞時，創作者如何抉擇，則是變成了一個相當有意思的問題， 有可能是選擇某一邊妥協，也可能是將衝突轉化成更積極的創作，不同的取捨路徑會發揮出不同的樣貌；但重要的是如何從自我內部的情感出發去關懷外在議題，而非為了遷就所謂議題而議題而失卻了本源的個人觀點。 
 

當我和你老去—牛俊強個展

When I’m getting older , with you

Niu Chun-Chiang Solo Exhibition


2009， 10．10－25


茶會Reception 10．10 17:00

座談Discussion 10．17 15:00

策展Curator 蔡家榛 Cai, ,Jia Zhen



南海藝廊Nanhai Gallery

當我和你老去—牛俊強個展

When I’m getting older , with you

Niu Chun-Chiang Solo Exhibition


2009， 10．10－25


茶會Reception 10．10 17:00

座談Discussion 10．17 15:00

策展Curator 蔡家榛 Cai  Jia-Zhen



南海藝廊Nanhai Gallery

她，踏出戶政事務所時，初春午後的陽光同手裡甫辦妥的戶籍證明暖了她心窩裡那方柔弱又堅強的角落；春陽和上暖風，她隨口哼唱著一首不成調的小曲，心情的愉悅自是不在話下，腳步輕盈地彷彿下一步就將飛躍了起來。

行經傳統市場轉回家的角落有間不起眼的花店，花店靜默地隱身在喧囂叫嚷的市場中，豔麗的花色遮掩不假修飾的黯灰牆面，這種小花店最大意義乃是為供奉祭祀而存在，所以她躊躇於彩度極高的各色花卉前好一陣子，遲遲下不了決定，本想轉身走卻被老闆娘叫住，

「小姐，要什麼？都今天剛到的，很新鮮喔！」

老闆娘放下手邊的工作，堆滿著笑意趕緊趨前，工作檯上散置了一桌的金屬小零件，銀黑的小方體下嵌上許多銀黑色的金屬芽腳，像極了一隻隻的前衛科技型蟑螂就戰鬥隊形準備幹上一場絕地殊死戰，凌亂靜置的桌面彷是一場世紀大對決過後的橫屍遍野，

「這把瑪格麗特好不好？你輕清秀秀的，感覺上這束白色小花很配妳啦！」老闆娘開口抓回她的注意力，她趕忙回過神，以極不滑溜的台語回答：

「喔，好呀！就這束吧！」

她，近來總是在離家300公尺遠的路口打右轉燈，

右轉便上了山，一座鬱鬱蔥蔥的山頭，

豔豔午陽總在轉彎的那剎刺上她的眼，她習慣性地舉起左手遮著眼，

控著機車把手的右手穩穩地戴著她向上爬升，

今日她的手機裡只放送著 Sophie Zelmani 的 Our Love:

And we've got a heart that won't ever leave us broken
That's our love, that's our heart

That's our love
That's our love

很輕很柔的女聲在她的耳邊低吟，隨著微風輕輕拂過她縐褶的心房，

吹散了 前些日子聆聽 Glen Hansard and Marketa Irglova合唱的 If you want me 激起的思念與惆悵，

她急著想發封信告訴他，她體驗到的這魔幻時刻，

於是，她轉了個彎，下山，右轉，回了家。

2009 臺灣 以色列青年藝術家交流展2

策展人

蔡家榛

參展藝術家

牛俊強 / 余政達 / 徐思穎 / 羅智信 / 許家榕 / 許尹齡

阿維塔．納尼 /鐸爾．東恩 / 艾芙芮特 ．凱頓/ 居里．阿韋薩爾 / 蕾．歐帕茲 / 梅塔爾．凱茲 / 納維．伊茲哈 / 歐哈．曼塔隆

日期  2009, 02/20-03/29 11:00-17:00

開幕  02/20 (Fri.) 

地點  關渡美術館

贊助單位 以色列經濟文化辦事處

2009 Taiwan Israel Young Artists Interchange Exhibition 2

Curator

Tsai, Jia-Zhen

Artists:

Taiwan  Niu, Chun-Chiang / Yu, Cheng-Ta / Hsu, Szu-Ying / Luo,Jr-Shin / Hsu, Chia-Roun / Hsu, Yinling

Israel   Avital Cnaani / Dror Daum / Efrat Kedem / Gili Avissar / Leigh Orpaz / Nevet Yitzhak / Ohad Matalon

Date:      02/20-03/29 11:00-17:00

Reception:  02/20 (Fri.) 

Venue: Kuandu Museum of Fine Arts

貧民百萬富翁Slumdog Millionaire

導　　演：【猜火車】丹尼鮑伊 Danny Boyle

演　　員：【紐約我愛你】伊凡卡漢、戴夫帕托（Dev Patel）

劇情簡介：參考奇摩電影

據說可能是2009奧斯卡最大贏家的「貧民窟的百萬富翁」，屬於獨立製片，劇情乃改編自印度外交官史威魯普（Vikas Swarup）的暢銷小說"Q&A"，劇情描述一名貧窮侍者在益智問答節目贏得巨額獎金，結果卻遭到質疑並接受審問的經歷。

影片中有兩個相當有趣且互為對比的Q&A層次，一是鏡頭前的益智問答，另一則是審判室的詢問，節目上的對應於Q的A只是個人知識的試驗，而它被檢證的一般邏輯不外乎以學歷來評判，劇情也就在主角不對應一般的模式中開始鋪陳展開；於是節目中的Questions成了主角人生重要經歷的入口點，Answer不再是正確選擇的與否，是生命歷程某個篇章的敘事式回應。而審判室中的Q&A與主角的生命歷程原是線性時間的敘事模式，但兩個Q&A層次鏡頭的互為錯置剪接，豐富且厚實了單調的直線敘事的影片走勢。

但它的劇本也兼顧了通俗性和娛樂性，如男主角對女主角的執著與happy ending、猜謎得獎金節目的套用，還有可說是貫穿整部影片與男主角中心思想的Destiny / it's written，不能否認宿命論是東亞一帶的生存價值觀，但這觀點經過好萊塢之手後，我常常覺得這總是被操做得很狗血又粗淺廉價。當這兩個語詞 "Destiny / it's written" 與 "勵志片" 並置時，對我而言莫名地有一種莞爾的笑點。但我仍覺得這是一部好看極了的片！

非常碎碎念：

平平都是以男人執著追尋著心中那難以忘懷的女人，並在尋找的過程中鋪寫了政/教衝突...巴拉巴拉的，帕慕克大叔的《雪》一書對我而言真是沉重得很難啃!看了3、5天還沒有突破100頁的關卡....上一次去伊斯坦堡帶著帕大叔的《我的名字是紅》也是破不了100頁關卡就直接在飛機上睡著，我是不是有帕慕克大叔的閱讀關卡

提到益智節目，心中浮現了一些對於媒體全球化現象的想法，好像應該寫點什麼的...!

一場名為《逆滲透》的活動，在北藝大山腳下復興崗某個廢棄工廠中進行，一個名為乒乓的創作團隊在去年七月以四萬元的房租租下三層樓的空間，準備在裡 面舉辦展覽、創作，或是睡在裡面。而《逆滲透》是乒乓第一期展覽/活動，其中一名成員娜美表示：「目的是實踐以物易物的精神，拉低藝術高度。當初期待藝術 圈外的人帶著自己的作品或技能來這個場域進行交換，過程之中打破參展者、觀眾還有藝評的角色疆界。」截至目前為止40多件繪畫、錄像、雕塑等作品凌亂地擺 在乒乓空間內，其中不乏今年台北獎以及幾個知名藝術家的作品。

「你不會覺得不喜歡聽藝評說話、每個人都有自己養成的思維嗎？」娜美問記者。

發生於去年七月陳萬仁以及邱建仁還有幾個朋友間的談話，促成了「乒乓」─暨作為創作團隊、亦是展演空間的誕生，時至今日乒乓已有八九人之多；除了陳 萬仁，其他包括邱建仁、王仲堃、林厚成、陳豪毅、江尚鋒、陳宏群、娜美以及台大企管出身的「EE」陳薏嫈。「當初他們說有事想聊，我就跑到便利商店買個耳 機用Skype大家來談。」邱建仁表示，當初有意與北藝大做切割，所以一開始從長安西路與陳萬仁一間一間看，一路看到士林；最後看中復興崗檳榔攤旁一棟三 層樓舊工廠，房租四萬，「那時候想說要有八個人，因為一人出五千。」邱建仁說，現實就是有多少錢，做多少事。

常跑展覽的讀者知道，其實當中好幾個都是近年台北獎得主、訪談間常出現的名字，儼然是北藝大的菁英新銳─而幾個人也心知肚明自己在藝術圈內，幾年以來隨著 個展、聯展、大小獎項等等已掌握相當程度的資源。談起當初何以成立乒乓，邱建仁言道：「我們都很清楚、也很有自信，自己的作品拿出去都是要『殺人』、跟別 人拼輸贏的；問題是在作品有一定知名度、個展也開過之後，接下來要做什麼？」他認為乒乓的兩個意義是：首先分享大家的資源，不論是人脈或個別創作領域的優 孰；「再來就是凝聚一股力量。」與中生代藝術家約莫十年之隔的世代差距，實際體現在藝術市場、以及展覽數量上的擴張。「問題是你要怎麼度過接下來的十 年？」邱建仁坦言，即便藝術環境在一個世代內已經風起雲湧，不論是雙年展或是大小個展都已消耗很多新的創作者，「有時候我會想我是不是一顆棋子，那我要不 要有自己的發言權。」

相對於邱建仁提到乒乓作為資源共享平台，陳萬仁則更強調此舉是一種切割：與學院切割、與既存展覽空間做切割。他提及同是北藝大吳思嶔的作品《小趨勢 畫廊》調侃學生藝術家與畫廊機制的關係：「如果那件作品是從觀念出發，那我們就要從實踐出發，要從空間開始。」而當晚正在三樓製作中正紀念堂《大幻影》作 品的王仲堃也說：「那時候來到這個空間真的很驚訝，在裡面跑來跑去的…，後來覺得就是一股氣勢，做就對了。」

「盧明德（高師大跨領域研究所所長）問我們：『你們想要展覽嗎？但是你們不缺展覽呀。』」陳萬仁這句話，除了帶出年輕創作者們嘗試自力經營空間面對 的質疑，其實也反面證實幾位創作者在近年藝術圈內積累的一定資源及名氣。他繼續說到：「老師會認為年輕創作者應該好好創作，不要搞空間，不想看到我們像 VT（非常廟）一樣幾個人在一起談話就是談到掙錢；關鍵是你要不要面對失誤？當學生那麼久，你會覺得照著老師的話走是安全的，同時卻也十分有害。」

「台灣很無聊是說，如果要出頭就要有明星老師；如果在北藝大順利完成學業，我做的事或認識的人就那麼固定，都是圈子裡的人；問題是關注藝術的人不只這些，於是想找一個方法跟年輕一輩糾結在一起，因為這樣的聯結在學院是無效。」陳萬仁表示。

對於空間以及乒乓團隊，成員們各自有其想像，即便決定一件小事可能都要歷經永無止盡、七嘴八舌（有人在過程中放空）的開會。幾個人笑言當初長輩建議 什麼該弄的，他們全部沒弄，不該做的全做了，譬如相當興奮地在門口釘鉆板，以及為了一個沒人使用的貴賓室大興土木。如同稍後加入團隊的娜美回想起加入的過 程：「其實說到底很單純就是想做事。你知道的，當我遇到這些人的時候，心想：『天呀，原來這圈子還是有正常人存在的。』」

展覽地點 / VENUE
:: 國立臺北藝術大學關渡美術館 2-5F / Taipei National University of the Arts/Kuandu Museum of Fine Arts, 2-5F Gallery
開幕酒會 / OPENING RECEPTION :: 2008.12.19 19:00
開幕表演 / OPENING PERFORMANCES
:: 氣象人 / weather man + 神秘嘉賓 /special guest
　
＊神秘佳賓公佈　：　林強　



:: 策展人 / 吳達坤 CURATOR / Wu,Dar-Kuen ::

即將在台北藝術大學關渡美術館展出的「ROOM 19」當代藝術展，此次策展集合了流行音樂、身體空間、社會政治學…等時尚、繽紛的探索觀點，試圖讓觀者跟隨著藝術家的腳步，徹底展閱那未知的、天馬行空 的「夜」生活。飄浮的音樂，道地的潮流，關於夜的情緒與感官的觸動，就在走進ROOM 19的這一刻開啟。

本展邀請了旅居紐約久違的李 小鏡，帶來他的" Jungle"，以及代表台灣參加威尼斯雙年展的黃世傑，從首爾請來國際影展新銳朴炳來、東京有各大國際雙年展常勝軍田中功起，台北則有擅長互動藝術創作 的「FBI Lab」，加上新生代創作團體「乒乓」及蘇匯宇、王婉瑜等。卡司陣容堅強，不容小覷 !如果歡樂（fun）可以是政治的，那麼夜店（night club）就是某種政治實踐的場域，成為都會叢林中令人短暫放輕鬆的聖堂。
「 ROOM19 」﹦19間房 +19件作品。對應於另一家耳熟能詳的夜店，它可以是一種類比，也可以是一個房間，更可以是更多的可能性。當「 ROOM 19 」碰上 KdMoFA（關渡美術館）， 將擦出怎樣的火花？談膩了夜生活，在這裡，你會發現少談的那一筆。

The upcoming contemporary art exhibition "ROOM 19" will soon be displayed in Kuandu Museum of Fine Arts (Taipei National University of Arts) which combines pop music, body space, political sociology, fashion and so on in order to explore further, and spectators will follow the artists to fully enjoy the unknown and fantasy night life. At the moment you step into "ROOM 19", you will be overwhelmed by melodious notes, the genuine trend, and be inspired by night spirits.

The exhibition "ROOM 19" has invited Daniel Lee, living in New York, to bring his recent work "Jungle", and Shih Chieh Huang who participated in La Biennale di Venezia on behalf of Taiwan. Also, Park ByoungLae from Korea who is the cutting-edge artist in the international film festivals, Koki Tanaka from Japan who is the frequent award-winning artist in international biennials, and multiple media group "FBI Lab" and Ping Pang, Su Hui-yu, Wang Wan-Yu, who are great young artists in Taipei. If joy can be political, night clubs are places where politics can be demonstrated and palaces in the urban jungle where we can relax for a while.

"ROOM 19" = 19 rooms + 19 works. In comparison with the well-known night club, it can be analogy, a room, or even other possibilities.
What will happen when KdMoFA bump into "ROOM 19"? Tired of night life, you will find something missing here.



:: 策展人 / 吳達坤 CURATOR / Wu,Dar-Kuen ::

:: 參展藝術家 ::
AKIBO (台北) / FBI Lab (台北) / PTB (台北) / 王琬瑜 (台北) / 田中功起 (東京) / 朴炳來 (首爾) / 乒乓 (台北) / 李小鏡 (紐約/台北) / 李民中 (台北) / 李守連 (首爾) / 邱昭財 (台北) / 陳志建 (台北) / 陳永賢 (台北) / 黃世傑 (紐約/台北) / 凱比鳥KbN (台北) / 劉士達 + 陳家文 + 許素朱 (台北) / 劉瀚之 (台北) / 賴珮瑜 (台北) / 蘇匯宇 (台北)
:: ARTISTS ::
AKIBO / Chen,Chia-Wen+Liu,Shih-Ta+Heu,Su-Ch / Chen,Chih-Chien / Chen,Yung-Hsien / Chiu, Chao-Tsai / FBI Lab / Huang, Shih- Chieh / KbN /Lai,Pei-Yu / Daniel Lee / Lee, Min-Jong / Lee,Suyoun / Liu, Han-chi / Park Byoung-Lae / Ping Pang / PTB / Su, Hui-yu / Koki Tanaka / Wang, Wan Yu


:: 國立臺北藝術大學關渡美術館 ::
Taipei National University of the Arts/Kuandu Museum of Fine Arts
地址/ 臺北市112北投區學園路1號 :: Address/ 1Huseh-yuan Rd., Peitou, Taipei 112 Taiwan
交通方式 / 捷運淡水線關渡站下車，由1號出口右側候車處搭乘北藝大接駁車或搭乘大南客運紅35號公車上山
:: TRANSPORTATION / Take the RT Danshui Line to the Kuandu Station (Exit No. 1), then take TNUA shuttle bus or Da-nan Bus Red 35 to the museum
開放時間/ 10:00-17:00（週一休館） :: Open Hours/ 10:00-17:00 (Closed on Mondays)

    　誠品畫廊經理趙琍表示，誠品是第三次向巴塞爾提出申請，「這次能通過，我們也
覺得意外，久聞巴塞爾申請個五次、八次以上是正常。」光是以青年藝術家為主的「藝術
首展」單元就有來自世界兩百多家畫廊申請，最後只會挑選出十六至十八件計畫參展。
　「蚊子電影院」是台灣早期社區當中，鄰里齊聚一堂、闔家觀看戶外電影的娛樂方
式，常見於夏季廟會節慶期間，或軍方為眷村居民安排的社區節目。家家戶戶端出自家的
小凳子，在炎熱的夏夜一邊揮扇趕蚊子，一邊觀賞電影。誠品畫廊依照這樣的概念，推出
林明弘與崔廣宇的雙人展。

　屆時林明弘會製作一件大型的彩繪板凳裝置，大約由八十張凳子拼湊而成，八十張
小凳子可以單獨存在、也可聚合在一起變成一張大型的花卉圖案，象徵台灣人的集體記憶
。觀眾坐在林明弘的板凳上觀看的影片則是崔廣宇一九九七年至二○○五年間的多件錄像
作品。像是《天降甘霖》這件作品，崔廣宇自己扮演的像是電動玩具的角色，不斷閃躲由
上方掉落的盆栽、電視、機車、大木頭等。

    　誠品畫廊明年的歐洲藝術博覽會行程除申請巴塞爾通過外，二月在西班牙舉辦的「
拱之博覽會」（ARCO），策展人也特別邀請崔廣宇和誠品畫廊參展。

乒乓年終開幕第一炮！跨越領域與世代的作品交換展
《逆滲透(Floating Buffer Zone)》

由乒乓主辦的「逆滲透」08年12月12日至09年1月16日，

「逆滲透」是一種對於展覽怎麼有效問題的提議。

現實的另一種生態。

由【乒乓】規劃的這檔展覽沒有藝術家名單，

Jeff Wall
Dead Troops Talk (a vision after an ambush of a Red Army Patrol, near Moqor, Afghanistan, winter 1986)
1992
Transparency in lightbox
229 x 417 cm

Presentation Highlights Work By A Range Of
International Artists At The Close Of The 20th Century

Notations: The Closing Decade
November 22, 2008 - November 2009


Philadelphia Museum of Art
Benjamin Franklin
Parkway
at 26th Street

Philadelphia, PA 19130

(215) 763-8100

http://www.philamuseum.org


The Philadelphia Museum of Art continues its commitment to presenting stimulating contemporary art with Notations: The Closing Decade a presentation that includes the work of thirteen artists from around the world made in the closing years of the 20th century. Taking the fall of the Berlin Wall in 1989 as a starting point, and leading up to the traumatic events of September 2001, the exhibition highlights the range of artistic pursuit during this period of profound global and societal transformation. It includes painting, sculpture, and video from the Museum's collection complemented by a small number of loans.

The thirteen works on view vary dramatically in scale, medium and mood - from the meditative to the exuberant and from the elegiac to the surreal - reflecting both the anxieties and the expectations that marked the end of a millennium through the lens of leading international artists including Francis Alÿs, Gabriel Orozco, Peter Doig, Sherrie Levine, Glenn Ligon and Jeff Wall.

Cuban-born artist Félix González-Torres (1957-1996) was inspired by the street lights of Little Italy in New York when he began creating his string-of-lights sculptures of which Untitled (Petit Palais) of 1992 was the first. A simple string of ordinary light bulbs that could be installed in multiple ways, the work rejects the monumental and heroic in favor of a quietly personal approach. At the time of its making, González-Torres had recently suffered the death of his longtime companion to AIDS, and the work suggests a wide range of meanings, reflecting both the light's capacity for revelation and transcendence and its inevitable dimming over time.

Artist Glenn Ligon's work has explored the ways in which language and culture inform personal identity, frequently using excerpts from texts by African American writers such as James Baldwin, Zora Neale Hurston, and Ralph Ellison. In his 1992 work, Untitled (I'm Turning Into a Specter before Your Very Eyes and I'm Going to Haunt You), Ligon quotes French writer Jean Genêt's 1959 play The Blacks (Les Nègres) in block print that moves down the canvas in a repetitive pattern. The words themselves gradually become illegible as the paint grows thicker – playfully underlining the literal meaning of the words, even as they seem to disappear.

Canadian artist Jeff Wall's large-format work Dead Troops Talk. A Vision After an Ambush of a Red Army Patrol, near Moquor, Afghanistan, Winter 1986, made in 1992, was clearly inspired by contemporary world events. A powerfully graphic image of the damage wrought by war, this 7 x 21 ft. color transparency was created by digitally combining various photographs the artist had staged in his studio. In this scene, Wall has taken an overtly theatrical and surreal approach to constructing the image, portraying the 1980s conflict between Russia and Afghanistan in the manner reminiscent of nineteenth-century depictions of war by artists such as Francisco Goya. Soldiers who have just been killed in battle are resurrected and engage with each other in what the artist describes as a macabre "dialogue of the dead".

The monumentality of Wall's image is countered by the fragility of Gabriel Orozco's meditation on death Black Kites of 1997. Orozco's bleached human skull is traversed by a lead pencil chessboard design that imposes a labyrinthine pattern on the organic surface of the skull, including the eye sockets. The artist described his sculpture as a drawing in three dimensions.

By contrast Polly Apfelbaum's Big Bubbles, 2001, bursts with color and texture. The spiraling, rug-like floor sculpture, consisting of over 1,000 pieces of cut and dyed synthetic velvet and measuring roughly 18 feet in diameter, is a recent addition to the Museum's collection. Big Bubbles probes the nature of painting taken off the wall and echoes the spirit of the poured latex works by artist Linda Benglis.

"Many of these works will resonate with viewers in a particularly poignant fashion, given the freshness of the historical events in question," Curator of Contemporary Art Carlos Basualdo said. "The exhibition is an opportunity to explore the ways in which a diverse group of artists were responding to a period of great turbulence, but also to consider the relationship between art and history-in-the-making."

About 'Notations'
The Closing Decade is the sixth in an ongoing series of gallery installations titled "Notations," inaugurated in 2006 and named after the 1968 book by American composer, writer, and visual artist John Cage—widely celebrated for his experimental approach to the arts. Cage's Notations was an international and interdisciplinary anthology of musical scores by avant-garde musicians that also embraced contributions from visual artists and writers. At the same time Notations was an exhibition in book form, in which the scores doubled as drawings. "Notations" at the Philadelphia Museum of Art is a flexible tool used to explore aspects of contemporary art in the Museum's expanding collection. The series of rotating projects is presented in the Gisela and Dennis Alter Gallery (176).

The Philadelphia Museum of Art is among the largest museums in the United States, with more than 200 galleries showcasing over 2000 years of exceptional human creativity in painting, sculpture, works on paper, photography, decorative arts, textiles, and architectural settings from Asia, Europe, Latin America, and the United States. An exciting new addition is the renovated and expanded Perelman Building, which opened its doors in September 2007 with five new exhibition spaces, a soaring skylit galleria, and a café overlooking a landscaped terrace. The Museum offers a wide variety of enriching activities, including programs for children and families, lectures, concerts and films.

For additional information, contact the Marketing and Public Relations Department of the Philadelphia Museum of Art at (215) 684-7860. The Philadelphia Museum of Art is located on the Benjamin Franklin Parkway at 26th Street. For general information, call (215) 763-8100, or visit the Museum's website at http://www.philamuseum.org.

haudenschildGarage, Spare Parts Presents

A Crime Has Many Stories-The shortest distance between two points is never a straight line  

(一宗犯罪有著許多的故事在裡頭--兩點之間最近的距離，從來就不是直線)

November 29, 2008
Buenos Aires, Argentina（阿根廷）

http://www.haudenschildgarage.com

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由Ricardo Piglia, Washington Cucurto, Roberto Jacoby, Fernanda Laguna, Rosalba Mirabella, Eloisa Haudenschild, Steve Fagin, Alejandro Ruiz, Monica Jovanovich, Judi Werthein, Sonia Becce & Eloisa Cartonera 合作的僅有一天的跨領域事件。

A Crime Has Many Stories是一精心設計過的殘屍計畫，它被放置在布宜諾艾力斯。由haudenschildGarage、Eloisa Haudenschild導演以及Spare Parts 計畫委任的剪輯Steve Fagin，根據阿根廷作家Ricardo Piglia的短篇小說La Loca y el Relato del Crimen (瘋女人的犯罪故事 ,1975)共同研討並創作的計畫。

Piglia的文本也衍伸了相關的故事：阿根廷作家Washington Cucurto的「兒子(El Hijo)」，以及Roberto Jacoby 和 Fernanda Lagunda捐獻了兩則現地製作的片段篇章，還有 Rosalba Mirabella所作的的” La Despedida Escrita en el Espejo” (葡萄牙文：再見 *屬於委內瑞拉口語"再見" ，就這般簡單。直翻的話，可以想像場面應該是早起的女郎用口紅在梳妝台鏡子塗上再見二字，而床上睡到自然醒的豬頭 ，揉揉惺忪睡眼看到這兩字，便慘叫著 " 怎麼會不告而別呢 ")  。

2008 11月29日，阿根廷製片人Alejandro Ruiz統整這橫跨多領域且僅為期一天的狂妄作品，以攝影記錄Ricardo Piglia特別為我們此事件將自己作品優雅地翻譯的影片開始，此影片將在Malba - Fundación Costantini（拉丁美洲布宜諾斯艾利斯藝術博物館）舉行首映。

我們將從Malba - Fundación Costantini的開幕宴會開始航行直到La Boca的閉幕派對為止，這條路線是Jacoby, Laguna and Mirabella規劃，這也是一場文化和飲食的移動饗宴。

我們精心設計的高潮將是haudenschildGarage委託Cucurto以其粗野又精湛短篇故事做開幕演出。Cucurto和文學團體Eloisa Cartonera將在他們為於La Boca的空間中完整地頌讀此故事。此外也和 Eloisa Cartonera 共同設計推出這整個計劃案的目錄，和限量版的「求生者手冊」，將提供給Malba觀眾以協助他們此趟旅程。而Monica Javanovich將會在haudenschildGarage的部落格上，設計「每日入口」。

這計畫的目的乃是透過文學、藝術和城市之力整合出一個強而有力的事件。藉由60年代到目前的年輕藝術家以及橫跨文化和美術的疆界，我們的期望是演繹(perform)出阿根廷文化自身最強而有力的延續性和範圍。普遍而言，我們感覺到南美洲和阿根廷在世界舞台上市是被低估的角色，阿根廷在世界文化的貢獻中有其歷史的及近來的特殊性，我們期望這事件能支持這日漸醒覺的意識。

The haudenschildGarage, Spare Parts Projects, conceptualized, commissioned and produced by Eloisa Haudenschild and Steve Fagin, are a renewable 3-year cycle that encourages the juxtaposition of the crucial, the trivial, and the arcane. Our current cycle of projects also includes Decolonizing Architecture in Palestine/Israel and The Last Book in the US.


The haudenschildGarage is a cultural platform that stands somewhere between a salon and an alternative space, the goal of which is to be a home away from home for cultural experimentation, play and conversation. It routinely presents symposia, lectures and film screenings to the public. Whether international projects, dialogs or commissions, the haudenschildGarage collaborates with international institutions, alternative spaces and emerging artists in a permissive context for opinion and production.

請造訪haudenschildGarage的網站及部落格以獲得更多訊息http://www.haudenschildgarage.com

STOP THIS "ARTIST"!!! THIS MAN IS A MONSTER

在facebook上看到有人在號召大家關注這以藝術之名，實為對動物迫害的藝術作品，

這種事，我們我們需要多一點關心注意！

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2007，藝術家Guillermo Vargas Habacuc，從街上帶了一隻狗，將牠套上繩索綁在畫廊中，並開始執行讓牠餓到死的計畫

接下來的日子，展覽中的藝術家和參觀者將全然沒有情感地用眼睛觀賞這件建立在狗兒痛苦不堪之上的作品，這真是一件令人感到羞恥的傑作。

對你而言，這聽起來是藝術嗎？

並不盡然...盛名的中美洲視覺藝術雙年展仍此"裝置"定位為藝術，所以Guillermo Vargas Habacuc將受邀參與2008雙年展並再度重現此殘酷行為。

目前重要的是，先前的狗兒雖然已死，但我們可拯救另一隻狗！！！

讓我們阻止他吧！

登入此請願網站:

http://www.petitiononline.com/ea6gk/petition.html
這並不收取任何費用，也無須註冊，你只需花一分鐘就能拯救一條無辜的生命。

以下乃直接引述這位藝術家的說法，你不會想要相信他說的這一切:

“我知道這隻狗接下來的幾日內將因沒有進食而死亡。開幕期間之時，我便了解這狗於傍晚左右在Managua(尼加拉瓜首都)區域的鐵皮屋及紙板屋間會受到殘害，有五個孩童會協助去追捕這狗，他們將因此獲得10塊錢（幣值：córdobas）。這隻狗的名字是Natividad，並且我讓牠在觀者眼前餓死，正如一隻可憐狗兒的死是一齣無恥的媒體秀，除了附和給予掌聲或觀看這些心理錯亂之外便什麼都不是的媒體秀。在此，這狗除了以金屬繩拴著之外便無任何遮蔽。這狗是極度地虛弱、患病並且不想進食，所以在自然的環境中，牠必然邁向死亡一途。因為牠們都是病弱的狗，不用多久牠們不是死亡就是被宰殺。

I knew the dog died on the following day from lack of food. During the inauguration, I knew that the dog was persecuted in the evening between the houses of aluminum and cardboard in a district of Managua. 5 children who helped to capture the dog received 10 bonds of córdobas for their assistance. The name of the dog was Natividad, and I let him die of hunger in the sight of everyone, as if the death of a poor dog was a shameless media show in which nobody does anything but to applaud or to watch disturbed. In the place that the dog was exposed remain a metal cable and a cord. The dog was extremely ill and did not want to eat, so in natural surroundings it would have died anyway; thus they are all poor stray dogs: sooner or later they die or are killed."

只要在google上搜尋這惡魔的名字，就能證明我們說的是有證據的事實。

Guillermo 今年正計畫捕抓下一隻他要使用的狗。我們沒有時間可浪費了！我們至少需要上百萬的人幫忙將我們所說得這事宣傳出去 ！

Bjørn Melhus，"Screensavers" (螢幕保護超人)，LED螢屏上的多媒體互動裝置，2008

（13 November 2008 - 22 April 2009）

LED牌碑上的超級英雄

享譽國際的媒體藝術家 Bjørn Melhus的數位複製作品Screensavers，這件作品將在近幾個月內於慕尼黑的OSRAM Haus大樓之前立植七個螢幕，螢幕中顯示的是其聲音互動的電腦動畫，而這些動畫的影像與文本都是由現實中的廣播節目所衍生出的。藝術家乃是對大眾媒體有形可見的日常語言提出其見解態度。

This art project marks OSRAM's first cooperative effort with the information radio station B5 aktuell, which will provide the material for the art installation. With the help of sound and speech recognition software, the artist will generate image and text sequences in real time from the current program of the information radio station B5 aktuell.

Bjørn Melhus thinks far into the future with regard to both artistic contexts as well as technological concepts. The visual program sequences for Screensavers were developed and created together with specialized programmers. By means of a software program, the words spoken on the radio are partially transformed into image and text sequences that then appear on the stelae. In the case of a few predetermined key words - such as "art," "catastrophe" or "traffic jam" - additional image and text sequences that provide visual comments on the spoken words are triggered. Comic book heroes, the Screensavers, appear on the SEVEN SCREENS during the brief presentation breaks.

Ivo Wessel, Rainer Kohlberger and Mike Orthwein developed and made the visual realization of the project possible.

With his most recent work the artist reacts to the installation's site. The Mittlerer Ring in Munich is a very busy road and approximately 90,000 automobiles pass by the light stelae each day and with them a great many viewers, whose common public space is not a visible but audible one – the radio. If television connects millions of living rooms with each other, then it follows that the mass media specific to driving is the radio. This thought serves as his starting point when Bjørn Melhus makes the radio the basis of his media reflecting, critical and artistic work, the Screensavers.

Bjørn Melhus lives in a media-driven culture, as an analyst, protagonist and – like us all – a consumer. In his work, unlike other artists, he deals with the stocktaking of media-cultural creations, such as film and television, and thereby scrutinizes the reciprocal relationships between the individual, the masses and the medium. A recurring motif is the double (Superhero), the reproduced individual who is always embodied by the artist himself.

BJØRN MELHUS
Bjørn Melhus was born in 1966 in Kirchheim/Teck. Bjørn Melhus studied creative art from 1988 to1997 at the HBK in Braunschweig. He has received a number of scholarships, including ones from the DAAD at the California Institute of the Arts in Los Angeles and from the state of Niedersachsen at the ISCP in New York. He has had solo and group shows in New York, Denver, Los Angeles, Paris, Tokyo, Kyoto, Moscow, Milan, Madrid, Zürich, Amsterdam, Stockholm, Berlin, Hamburg, Frankfurt and Munich. Bjørn Melhus has been a professor of fine arts and virtual realities since 2003 at the Kassel Art Academy. He lives and works in Berlin.

OSRAM ART PROJECTS: SEVEN SCREENS, Munich
In addition to the GALLERY and COLLECTION, since November 2006 the OSRAM ART PROJECTS have included the SEVEN SCREENS. With the help of state of the art LED technology, the latter realizes the company's wish to combine light and art.

Dr. Christian Schoen, director of the OSRAM ART PROJECTS, is a renowned art historian and critic.

More information is available at: http://www.osram.de/art/sevenscreens 

主辦單位

沒有當代藝術館 Musem of Contemporary Art NO (MOCA NO)

緣起

沒有(NO) 所長期追尋的目標，是當前世界上最為深奧，也最為日常的議題。我們非常幸運地，在有限的生命中，能夠為這個萬物所共有的世界盡一份心力。

在 進入21世紀的今天，沒有的工作責任將愈形重大。這是一個新世紀的挑戰，我們所面對的事業，有著前所未見的領域等待開發。沒有(NO)希望實踐的，是在所 有學問中找到一種日常感知的基礎，那是促使任何生存慾望能夠驅動的本能。這樣的力量凌駕語言，並且也是構成日常生活的本質，在簡單的行動和言談，雨水的氣 味，天空的顏色，汽車引擎發動的聲音，海邊石頭的紋路，羊毛柔軟的觸感中，我們都可以看到這種串聯一切的感知基礎。沒有(NO) 期望在這個基礎上，以最不衝突及平和的方式，找到最符合這種力量的日常節奏。並將這樣美麗的節奏，分享給同樣生活在宇宙中的每一個體。

適逢沒有(NO)將屈滿十週年的秋天，『日常的力量－MOCA NO 2008秋特展與台灣巡迴研討會』在這樣的契機下展開，沒有(NO)期待透過和與會人士及觀眾的交流，共同思考我們所身處的自然，以及無所不在的日常。
 

特展日期 ＆ 地點

＞＞ 2008年11月3－8日

天池＞摩天＞八仙洞＞七星潭＞粉鳥林＞靈鷲山＞金瓜石＞三芝鄉

開幕式inauguration：栗松溫泉（ 南橫公路摩天169K轉叉路約三公里到達小菜園，菜園旁小徑往溪谷步行約一小時至谷底後，涉溪水至對岸，往上游行走十分鐘即可到達栗松溫泉。）

研討會預約報名方式：

欲報名者請於11月2日前E-mail至 mocano.mail@gmail.com  詳列報名場次、人數、姓名、聯絡方式（手機、E-mail），亦可於當日現場報名。

10月4日北美館熄燈後，中山美術公園內楊俊《一個當代藝術中心，台北(提案)》作品前，「NOMUNICATION 把酒芻議會全台YTA大酒趴」才正要熱鬧啟幕，這是一個自我組織的草根活動，邀請YTA暢言、分享以及討論後續活動的可能，而此次的召集活動主要有四大訴求： 1.TO  COMMUNICATE--藝術如何可能。2.TO  SHARE -- 各群體展覽空間資源整合共享。3.TO  SURVIVE -- YTA求生手則。4.TO  FIGHT -- 我們的權利。活動緣起於楊俊與林宏璋談論到《一個當代藝術中心，台北(提案)》靜態的文件展示方式，似乎不能震盪目前的藝術環境與生態，而動態的活動能增進人與人和訊息間的互動聯繫，因此一個以酒以話為名的大酒趴就此號招著”凡自認為台灣年輕藝術家以及對藝文活動、環境關心者”，以網路交友平台(如：facebook)和人際間的口耳相傳效應迅速散播此活動消息。

當日出席者仍以三間藝術學院的師生居多，因此，芻議會亦發揮一種藝術資訊交流平台的作用，發起者意圖利用此機會將各自籌組的藝術團體及其力量整併，於是南藝的Nollywood(*1) 、台藝的打開當代(*2)、北藝的dongtz(*3) 網路平台與乒乓(PingPong)(*4)空間皆推派代表人輪翻上陣闡述創建理念與實際運作狀況。

以YTA之名

YTA顧名思義即是 Young Taiwan Artists的縮寫。而從YOUNG一詞談起，似乎易於繞往到曾經燃燒過好一陣子的”年輕世代”議題，打開當代的范曉嵐由此活動而對YTA有如此的看法：「這個命名的策略對我來說很不明，年輕世代太容易接受上一代的指稱，又樂於接受是很讓人質疑的；另一方面 YTA這也不是少數人自稱說了就算。...算是上一代"暗示"或是"鼓勵"吧  然後夾帶著對國際當代藝術圈的幻想.....」，不能否認此一召集活動乃是由長一輩者所發起，但「YTA的集結真的是用一個"世代"的斷層作為分界嗎？」目前就讀台藝造研所的張允菡繼續談道：「或許我們是YTA的創始，但接下來也會是很多的YTA。或許YTA是提供了我們集結的一個理由，但大家的共識是希望做些什麼？」就此些提問來看YTA最迫切的應該不能只是停留於”世代”的美學或哲學命題上爭論，而是我們要做什麼？能做些什麼？使得YTA真有可能。相較於目前多數人被動等著芻議會發起者的下一步動作，早於今年CO-Q展時，就讀南藝造型所的蘇育賢便主動提出YTA一詞，積極製造事件以碰觸藝術現實，並認為「...實踐的重要性，已經遠遠重於任何對世代進行的美學論述。」(*5)

如果說YTA的瓶頸乃是藝術家們的藝術實踐行動與合作性不夠，那可能的問題核心會是何者？可能的解決辦法會是什麼？楊俊於facebook的YTA版上提出目前台灣是否有相關的部落格、網頁、討論板以供大家聚集討論任何藝術事件的發生，而鄭文琦則是提出下一步移師台中、台南或高雄的可能性思考，畢竟YTA的T指稱的是Taiwan而非Taipei，曾任職南藝的黃建宏與北藝的陳豪毅皆異口同聲指出這一地域主導權可能是偏頗的顧慮。

YTA的下一步會是什麼？該怎麼走？這沒有標準答案，也非借鏡YBA模式就能有所成，但可以確切知道的是如果只是待在原地猶疑顧盼不動作，那就是什麼都沒有，對YTA而言，目前做了就是！

*1 由黃建宏與南藝造型所學生共同組織發起。
「Nollywood，不是Hollywood，請大家別搞混。"N"來自南藝、南大、南方等等，No-lly又可以解釋成一種副詞的變形---什麼也不要的副詞性! 且相當驚人的，日文Nori(發音相近)又是海苔! 我們可以說南藝造形是海苔一族。」---摘自黃建宏”電影眼”部落格

*2 打開當代網站  http://www.newsiteart.tw/

*3 dongtz是一個台灣當代藝術的交流網站，提供新的藝術觀點，集結年輕藝術家、藝評人的資料庫及展訊刊登，企圖著手建立台灣當代藝術的新平台與對外連結的窗口。網站目前由余政達等人建置中。

*4 PingPong是由一群年輕人自己動手打造的一個多觀感的空間。而在實際上，它並不是個尚在規畫、還未建構的地方，而是他寄望透過不同性質的活動、展演、事件來為一個地方創造一個他應該有的空間語法，也就是PingPong期望透過單點多機能的方式來建立他未來的可塑性。
另外，PIngPong開放能夠敲敲打打的工作室，以及能夠讓集體研討舒適進行的地方，PingPong提供空間，人們提出想法，讓展演的發生從製作到思考的過程，都有個能夠在”交換”的概念運作中不斷建置(constructing)的社群意義發生。

*5 2008 六月號藝術家雜誌 P.246。

某電影台近日猛打著美國版《大家來跳舞 Shall we dance?》的廣告，好萊塢版我尚未看過，倒是周防正行導演、役所廣司主演的日本版好些年前因緣際會觀看過。抑鬱的中年男子與失意過氣的女舞者分別經由學舞與教舞找到情緒與個人價值的出口。我挺欣賞影片中情緒的移轉變化，鬱結的氛圍慢慢地堆疊至沈重難耐，而每天仰望的那扉窗也慢慢地積累而為抑鬱情緒出口的救贖....。好萊塢版本，我想可能比較表達不出那種微妙的情緒轉折，縱使如此，它的音樂和舞蹈動作應該是能令人大飽眼福的吧！

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想了好多年，今日終於和Q去學了國標。華爾滋的舞步總是記不住，恰恰的身體律動還掌握不住，縱然跟不上其他已學過的成員，汗水依然淋漓。

以前常聽人用探戈的進退比喻愛情關係，學了舞才體會到那腳步進退之間的奧妙，而由腳步帶動的身體觸碰更是微妙，通常那並非如電影中挑逗的撫摸，而是舞步移轉與身體扭動時的覷味所致，是言說不出的曖昧。

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上周J調了一杯名叫曖昧的酒，以Vodka為基底，加入少許酸梅汁，最後舀入一匙紅砂糖，不攪拌。初嚐之味是酸酸澀澀，正如曖昧不明時那微微擰結的心事；待酸梅在口齒間停留些許時間，它的微甜勁兒便開始在味蕾間蔓散；而沈澱杯底的紅砂糖，挑起了曖昧的甜蜜高潮。

我問J：如果曖昧以無疾而終收場，那你要調什麼給我？那應該是苦苦澀澀的味道吧！

J說：那給你一杯苦瓜汁可以嗎？.....

A問：你那"他為我調了一杯名叫曖昧的酒" 是什麼意思？

我回：跟妳說了，就一點都不曖昧，不能說出口的最是曖昧呀！

         這樣你才有想像空間咩，就和今年台北雙年展沒有標題一樣！

2008/9/27

陳界仁的聲明

緣由
我因受邀參加美國「紐奧良雙年展」， 同時應邀於10月26日至11月2日赴紐奧良參加展覽開幕。為取得美國簽證，我於2008年9月23日上午12點45分至「美國在台協會」﹝AIT﹞辦理 非移民簽證﹝觀光/商務簽證﹞。本人因正忙於製作參展作品，所以英文申請表格由旅行社代填。當我交付相關文件予美國在台協會面試官時，面試官口氣不耐地指 責表格填寫錯誤，要求修改過後再次遞交。我因為不黯英文，修改其中錯誤時並未察覺還有遺漏。在我二度遞交文件時，面試官語帶不屑地譏問：「你不會去看外面 的中文說明嗎？」當我開口詢問他何處填寫有誤，這位口操標準國語的華人男性面試官，盛氣凌人地大聲怒斥：「你給我過來，你要跟我爭辯嗎？我懷疑你是要偷渡！」

我是受邀去美國參展竟然還需受此羞辱，至此，我只有憤而離去。表格填寫有錯誤，可以要求我重新填寫、可以退件重辦、甚至不給予我美國簽證。但人對人最基本的禮貌與尊重，美國在台協會的面試官不懂嗎？美國在台協會的面試官有何資格在眾人面前羞辱他人並惡意指控：「我懷疑你是要偷渡！」？

台灣民眾至美國在台協會辦理美國簽證時，時常會碰到這類被視為「殖民地人民」的言詞和態度上的對待，而我只是長期以來被羞辱的眾多台灣人之一。

美 國在台協會面試官話語中所顯現的暴力和其背後的霸權意識形態當然令人齒冷。顯然在美國在台協會的面試官眼中，任何想要去美國無論是觀光、旅遊，或短暫居留 的旅客都存在著「偷渡」的嫌疑（即使是受邀參展但表格填錯）。或許美國式的「自由、民主、人權」就是建立在羞辱其它地區的人民身上。而這種歧視他人的語言 暴力，也可能是美國政府交付給面試官展示其做為「殖民地主人」的工作之一。

反諷的是，台灣政府政治上長期依附美國，甘於作美國的附庸，即 便連申辦簽證這種個人性事務，也必須建立於這種馴服的關係中。美國「老大哥」強勢要求台灣花六千億購買美國次級軍火的荒唐例子猶在，而我們的總統、政黨長 期以來更只求能靠著獻媚美國而獲得「老大哥」允許搞所謂的「過境外交」。這種長期的自我貶抑，使得連辦理簽證時，台灣人都可能被當作比殖民地人民還不如的偷渡犯來對待。

我當然要拒絕被這樣的羞辱，更不會再去申請美國簽證。

同 時我認為以美國政府長期的霸道心態，是不會對被其羞辱和欺壓的其他地區人民說一句道歉﹝美國政府何時對被其屠戮的越南、阿富汗、伊拉克和中南美洲人民…等 說過一句道歉？美國政府又何時對於其國內的底層人民或如紐澳良風災後的黑人災民表現過關懷？﹞，因此我也不準備浪費時間跟美國在台協會理論或聽其官僚所說 的任何托詞。

我當然更不期待我們軟弱的政府能為他的人民爭取最基本的人格權。

〈我懷疑你是要偷渡！〉 創作計畫

在要求公平和有尊嚴的被對待前，我們必須要先說出自己的經驗。

我 的經驗也是眾多台灣人曾有過的經驗，是我們在日常生活中當想要去美國觀光、旅遊，或短暫居留時可能要承受的羞辱經驗。由於台灣政府長期的依附美國、自我貶 抑的關係，讓我們對於這些羞辱大都已習慣抱著默默忍受的態度，這難道不是台灣社會未曾真正公開說出的「人民記憶」嗎？不就是因為我們總是默默忍受，甚至將 接受羞辱和自我貶抑視為正常，然後一代代的遺傳下去。

作為一個藝術工作者，我不想只是生氣，更不想默默忍受，我計劃以這個部落格，先蒐集台灣人民在美國在台協會辦美簽時，曾受過各種言詞或態度上羞辱的案例。之後我會根據這些案例，發展成一個拍攝影片的計畫，未來或許還會延伸為一個更大的、長期的、集體的書寫與展覽計畫。

雖 然我被羞辱時非常憤怒，但這卻不是一個關於「憤怒」的計畫。我相信這個世界總是被點點滴滴的緩慢改變，我誠摯地邀請有類似經驗的人，無論是親身經歷、身旁 朋友的經驗，或是你曾目擊的過程，都希望你能在這個部落格上留下你的見證。當這許許多多的經驗聚集起來時，或許能幫助我們想：我們為什麼會被如此對待？我 們可以如何改變它？